Главное, что нужно знать о выставке Пьера Боннара в Tate Modern

Остался всего месяц, чтобы попасть на выставку культового французского художника Пьера Боннара в Tate Modern. Боннара заслуженно считают одним из главных колористов ХХ века и называют «вторым Матиссом». 

Боннар всегда стоял вдали от безумных экспериментов авангардистов и сохранял свой благородный, ни на кого не похожий стиль. Пока Пикассо и Кандинский разлагали мир на геометрические формулы, Боннар рисовал изысканных обнаженных и уютные домашние сценки. В сегодняшнем выпуске «Арт-ликбеза» мы расскажем самое главное, что нужно знать о французском художнике.

Боннар и фотография

Кураторы выставки постарались максимально глубоко проникнуть в художественный метод Боннара и рассказать обо всех секретах его творческой кухни. Главным среди «секретов» Боннара был принципиальный отказ от работы с натуры. В отличие от импрессионистов, с которыми связывают творчество художника, он не работал на пленэре. Абсолютно все произведения написаны по памяти или по фотографиям!

Свой первый портативный «Кодак» Боннар купил в 1895 году и тут же начал активно фотографировать. Сначала героями фотоопытов Боннара стали его родные и близкие. Художник делал что-то вроде семейного фотоальбома: никаких серьезных застывших поз и тщательно настроенного освещения, только родные и близкие художника в домашней обстановке. Причем степень интимности максимальная: на выставке представлена серия фотографий, где художник вместе со своей возлюбленной Мартой позируют обнаженными на фоне природы, словно Адам и Ева в райском саду. Эта серия снимков была сделана летом 1900 года на даче в Монтвиле.

Впоследствии эти фотографии стали визуальным материалом для цикла иллюстраций к античному роману «Дафнис и Хлоя». Конечно, никаких прямых соответствий на картинах Боннара вы не найдете. Фотографии были нужны художнику не для копирования, а для того, чтобы напомнить самому себе то состояние легкой и непринужденной игры с возлюбленной в теплый летний день. Фотоснимки Боннара – это средство остановить мгновение, зафиксировать миг и передать его вечности.

Боннар и эпоха

Отношение Пьера Боннара и времени – едва ли не главная тема выставки. Собственно само ее название «Пьер Боннар: цвет памяти» фиксирует эту временную, историческую составляющую его творчества как главную.

Пьер Боннар был возмутительно несовременен: пока парижские художники изобретали все новые «измы», соревнуясь друг с другом в революционности и эпатажности, он бесконечно писал свои упоительные пейзажи и тихие семейные сценки. Никаких экспериментов с формой, никаких абстракций и пронзительных заявлений о новой эре в искусстве. Даже две Мировые войны, потрясшие ХХ век, словно прошли мимо художника. В разгар Первой мировой он рисует не трупы солдат, а идиллические пейзажи.  Например, показанное в Tate грандиозное полотно «Лето» написано на исходе войны в 1917 году. Это фантастическое видение райского сада, первозданной сияющей природы, на фоне которой отдыхают герои. Однако в реальности ничего этого нет: война смела неторопливый уклад деревенской природной жизни, люди выживают, а не наслаждаются. Все что изображает художник – это лишь его воспоминания о былом счастье. Или, может быть, это надежда на будущее?

Работы Пьера Боннара действительно будто бы выключены из хода времени. Например,  картина «Молодые женщины в саду» изображает двух женщин за столиком с фруктами. Казалось бы, милая сценка из повседневной жизни: летний солнечный день,  яркие краски природы и цветастые платья девушек. Чем не идиллия? Но история этой картины совсем не так проста, как кажется. Художник писал картину около двадцати лет, с 1921 по 1946 год. К моменту завершения работы ни одной из героинь уже не было на этом свете. Одна из них, его жена Марта де Меланьи умерла в 1942 году, за четыре года до завершения работы над полотном. Вторая героиня – его возлюбленная Рене, с которой его связывали сложные драматические отношения. В 1923 году Боннар даже сделал Рене предложение, но затем разорвал помолвку и женился на Марте. Рене не выдержала этого известия и покончила жизнь самоубийством вскоре после их свадьбы. На картине Боннара все эти трагедии не существуют, его возлюбленные изъяты из хода времени, Боннар подарил им бессмертие на своих картинах.

Боннар и обнаженные

Живопись Боннара неотделима от истории жизни. Главной темой его творчества стали многочисленные изображения купальщиц и купания: «Купальщица», «Купальщица перед зеркалом», «Купальщица в тазу», «В ванной», «В ванной комнате» и еще десятки картин на один и тот же сюжет. Такое странное пристрастие можно было бы объяснить любовью Боннара к Сезанну и его «Купальщицам», если бы не одно «но»… Жизнь Пьера Боннара действительно была связана с самой настоящей купальщицей. И этой купальщицей была его жена – Марта де Меланьи.

Марта страдала нервным расстройством, она постоянно болела. И любимым лекарством женщины были как раз те самые ванны – с их помощью она чувствовала себя лучше. Ванна стала для нее ежедневной привычкой, а под конец жизни она и вовсе проводила в ванной большую часть дня. Пьер Боннар превратил ванны Марты в настоящее священнодействие, в их французском особняке специально для нее построили огромное помещение с роскошной ванной. Там родилось огромное количество шедевров художника, изображающих обнаженную Марту во время купания или поcле него.

То, что рисует Боннар, – это вовсе не классические «ню». Его обнаженные словно застигнуты врасплох в самые сокровенные моменты, обычно скрытые от посторонних глаз. При этом, в его картинах нет никакой скабрезности или пошлости. Женское тело переливается разными красками, словно драгоценность. Так в картине «Обнаженная в ванне» Боннар смотрит на тело Марты сквозь прозрачную пелену воды. И благодаря этой водяной прослойке кожа Марты переливается оттенками фиолетового, сиреневого, желтого.

Боннар и краски

Собственно, больше всего Пьер Боннар прославился своими красками, его даже называли «вторым Матиссом» за насыщенность и глубину цветов на его картинах. Но природа колорита Боннара совсем иная, чем у Анри Матисса. Боннар скорее похож на Марка Ротко. Он как и американский абстракционист, накладывает слои краски один за другим, выявляя бесконечные оттенки красного, синего, желтого. Мазки краски просвечивают более глубокие слои и создают особую живописную материю на полотнах Боннара (обязательно посмотрите полотна оставленные кураторами без рамок – так вы сможете подглядеть за способом наложения краски).

Художник не стремился реалистически передать то, что он видел в окружающем мире. Сами сюжеты его мало интересовали – гораздо важнее было не что, а как он пишет. Живопись Боннара — это погружение в мир красок и цветовых сочетаний, в игру света и тени, в пространственные соответствия, отражения и блики.

Так почему же художник. столь заинтересованный в материи и форме искусства, не выбрал для себя путь абстрактной живописи, как большинство его современников?

Абстрактное искусство первой половины ХХ века – это искусство холодное, рассудочное. Кандинский, Малевич, Мондриан относятся к цвету и форме как к инструментам. Боннар не мог на это пойти. Его картины – это эмоциональное переживание цвета и формы, они не отделимы от человека и мира вещей, в который он погружен. Поэтому критикуемый многими «скучный реализм» Боннара на самом деле связан не с его неготовностью расстаться с миром вещей, а с его желанием говорить о цвете и формы языком человеческих эмоций, а не холодных рассудочных понятий.

Нет времени читать все? Подпишитесь на наш телеграм, там только самое интересное.